Si esto no es pedagogía en estado puro, desconozco que puede serlo. Sin duda alguna, este capítulo ha sido el que más ha llegado al imaginario del que esto escribe. Aunque un dudeo me surge, desde una base de conocimientos algo pantanosa, sobra decir:

Que Pollock fue el estandarte de la renovación artística en tanto que giro radical de ideología no cabe en duda alguna. Pero, ¿no fue maese Duchamp el que realizó la hérculea tarea de descontextualizar totalmente la obra artística, desde La Fuente, en 1917, aquél urinario instalado en pleno centro de la Society of Independent Artists?

La verdad es que el razonamiento conspirativo, ingeniosamente expuesto, y que puede tener cierta base real en el caso concreto de Pollock, no es convincente. Lamento decirlo.

Como bien ha comentado mi colega de arriba, la deconstrucción del arte clásico comenzó mucho antes y los dadaistas del 1917 ya eran unos gamberros y unos sinverguenzas que defendían que cualquiera podía ser artista, que no se necesitaba talento ni habilidad para hacer arte y que la obra de arte no era importante, que lo importante era la idea.

Que conste que simpatizo con algunas de esas ideas y gran parte del arte moderno me resulta gracioso y hasta agradable de ver desde el punto de vista jocoso.

También indicar que lejos de ser los capitalistas los que animaran a estos desvergonzados artistuchos a realizar patochadas a mansalva, la mayor parte de los vanguardistas y artistas modernos parieron y paren sus chorradas como reacción a un arte clásico burgués. Hartos de pintar bodegones, retratos de gente rica y frescos para los palacios de los mecenas, muchos pintores y otros tarados decidieron pintar y crear lo que les salía de los cojones, y cuanto más opuesto al arte figurativo y decorativo que les gustaba a los despreciados burgueses, pues mejor. Ni decir tiene que muchos de estos artistas antiburgueses simpatizaban con ideologías de izquierdas.

Los mecanismos misteriosos por los que esa forma de entender el arte pasa de ser provocadora y minoritaria (y de que los artistas que la practicaban se murieran de asco y de hambre), a ser objeto de culto de ricos y galerías de arte es una de las contradicciones maravillosas del capitalismo, que a unos tanto irritan y a otros nos fascinan por mostrar lo desestructurada que es la forma de pensar de la sociedad moderna.

El capitalismo todo lo asimila y transforma en producto de mercado y/o objeto de chiste o curiosidad… desde las camisetas del Che, los discos satánicos de Marilyn Manson o el meadero de Duchamp. Su habilidad comercializadora y fagocitadora de lo potencialmente subersivo es admirable. Eso, al menos, hay que reconocérselo.

¿Y Kandinsky donde queda?

Repronto, es que me pierdo. Usted mezcla dos cosas entonces: por un lado la “revolución” del arte moderno y sus chorradas y, por otro lado, el mercadeo y las engalifas del mercado del arte, que es manipulable como cualquier mercado.

Por lo que entiendo, no dice que todo el arte moderno sea un engaño de cierta gente influyente para crear obras confusas y sin significado que hagan que la gente se vuelva gilipollas… dice que en algunos casos se ha hecho, simplemente.

Pero eso no explica porque el arte moderno es tan chorras y absurdo. Explica como los “seres superiores” que guían nuestras tristes existencias se han aprovechado de ese arte para sus propósitos.

¿Es eso más o menos?.

Pues a mí me ha parecido sumamente interesante. Independientemente de que la expuesta sea la causa del actual estado del arte, cosa sobre la que no puedo opinar porque no tengo formación suficiente (ni académica ni como aficionado), el hecho es que este vídeo describe un mecanismo de mercado tremendamente común, y más cuando estamos hablando de algo relativamente superfluo (sin utilidad práctica directa) como el arte.

Estos escasos 7 minutos me han hecho interesarme mucho más por el arte moderno que todo lo que había estudiado, leído y escuchado hasta ahora. Son ustedes unos monstruos.

Los nortes, kike, los nortes… Aquí no valoramos lo bueno y lo malo, sino las matrices que las orientan…

Me ha gustado un cojón, sobre todo porque mi novia estudia Historia del Arte y hemos hablado muchísimas veces de esto que hoy comentáis, de por qué carajo dos lineas en un lienzo, o un simple lienzo en blanco puede costar tantos miles de millones. Me ha resultado muy interesante vuestra visión.

Por otro lado, supongo que cuando los críticos de arte y/o los artistas explican sus obras es para que la gente no se de cuenta de que, realmente, ni ellos saben qué quieren decir. Porque, y perdonad mi catetismo y mi cortez de miras, pero que un círculo amarillo y otro beige sobre un fondo añil sean una metáfora de la opresión en Guantanamo (por ejemplo), a mí me suena a tongo. Con todos mis respetos al que quiera gastarse los cuartos en cosas así

Amigo Fox: para notar las diferencias, si le interesa, acuda al libro “Cómo se hace un cómic” de Scott McCloud, y mire la pirámide que plantea. Creo que es un artefacto muy inteligente, y muy útil.

La clave del arte moderno es cuando habla de señoras de la limpieza tirando a la basura obras de arte. Pero es que hay una situación aún peor: El dejar un pegote de mierda sin recoger creyendo que es una obra de arte .

Por cierto, el arte que barren las señoras de la limpieza, en el caso al que se refiere el Doctor en el video, se llama muy propiamente “arte autodestructivo” y es creación del singular Gustav Metzger. Un personaje, se lo aseguro. Aunque a Beuys le pasó otro tanto cuando en una fiesta muy chic que se daba en un museo usaron una de sus obras como nevera para las bebidas.

Todo esto lo estoy escribiendo de memoria y puede que me lo esté inventando.
Un saludo.

Me quedo con el cuadro expuesto en el Museo Guggheneim durante dos semanas por un grupo protesta alternativo. Hicieron un cuadro de “coña”, y durante dos semanas los guías lo explicaban como si fuera la mayor obra de arte. Como nadie se coscaba, tuvieron que hacer un comunicado diciendo que era un cuadro falso… Y les pusieron a parir, por la falta de respeto (sic) al rest5o de grandiosísimas obras de arte…

El capitalismo ha fagocitado algo más que lo subversivo, ha fagocitado el alma de las cosas, convirtiéndolas en meros elementos muertos, abstractos y extraídos de la realidad vital, para volcarlos en la realidad muerta del “materialismo capital”.

Ergo, la ruptura existió,, y la evolución natural del ser humano se interrumpió, para pasar a ser un movimiento condicionado y controlado por el mercado… hasta cuando?

Doctor Olvido: Kandinsky es relevante porque la Bauhaus triunfó. Y para saberlo solo tiene que mirar la cocina de su casa. Las cocinas modernas son un invento de la Bauhaus. Y Kandinsky, como teórico del movimiento, es un referente insalvable. No tiene nada que ver, de nuevo, con obras buenas o malas.

Joe Perkins: Para hablar de la indiosincrasia española ante el arte moderno in situ, le dirijo a mi artículo “ZAJ: el nombre lo dice todo”, publicado en Mondo Brutto 24 (2001)

Binfer: En principio, para siempre. O sea, que aun no hay normas neutrales para la estética. Los filósofos huyen de la estética como de la peste.

Lindyhommer: Pollock ignoraba completamente la confabulación. El se limitó a recibir la pasta y los fotógrafos, caidos del cielo. El valor de la obra de pollock, redundando en lo que le he puesto a Binfer, no se establece sobre normas neutrales. Se establece por la cantidad de artistas que la tomaron como suya, para vender, para prosperar. O sea, que el “verdadero” valor ha sido el propio proceso que hemos narrado.

no importa tanto el momento en el que se da la ruptura sino a donde nos ha llevado y hacia que vamos…recordad que la obra de arte planetario de este otoño es una grande y profunda grieta atravesando suelo y paredes de la tate modern…

Dr. Repronto, sobre estética hay rios escritos. Sobre valor, también. Filósofos como Adam Smith o Karl Marx abrieron una vía muy fructífera al respecto. En esa línea, si distinguimos valor de cambio del valor de uso, entenderá que probablemente estamos hablando de dos cosas distintas. La operación Pollock funcionó por todo lo que dice, pero además (e independientemente) mola. Usted puede tratar de defender que la operación hubiese funcionado con cualquier paleto que pintara arte contemporaneo, y tal vez (y solo tal vez) sea cierto. Pero como dicen por ahí arriba, achacar el éxito y logros del arte contemporaneo al gobierno USA es demasiado reduccionista, explica a la perfección su tesis pero ignora (y contradice) muchos fenómenos paralélos; yo creo que es más consistente pensar que ese gobierno lo usó hábilmente en su provecho.

Bravo!

Para variar no tengo nada interesante que añadir pero queria dejar constancia de lo mucho que me ha gustado este capitulo.

¡Ahi queda eso!

Solo precisar: Nabokov era un completo antisoviético, de hecho su familia salió por patas de Rusia cuando la toma del poder por los bolcheviques, y su primo Nicolás fue uno de las eminencias grises de la propaganda cultural norteamericana en los 50.

Imaginemos que damos por buena la exposición… aún hay algo que llama la atención. Si el contexto era una guerra, aunque fria, ¿por qué sólo se habla de uno de los bandos?

¿Acaso el realismo socialista no fue fruto de la subvención desorbitada por parte del Kremlin? ¿Acaso crees que el realismo socialista es “parte de una evolución natural”? ¿Sabes lo que les pasaba a los artistas que no se ceñían al dogma estético soviético? ¿Te suena de algo el nombre de Bulgákov?

No tengo nada contra las conspiraciones estrambóticas, salvo que canten demasiado ideológicamente.

Por cieto, enhorabuena por le blog, me ha encantado. Tienes otro espectador fijo, dale las gracias a Vigalondo.

[…] episodios sin desperdicio: «el Comesandías» y «Arte contemporáneo» deberían estudiarse en los […]